tercer visita a Santo Domingo

Set 009: el relato de las cajas

en proceso...

Las cajas se eligieron al azar -idealmente- y la premisa fue trabajar a partir de las mismas. Luego se entregaría lo obtenido al propietario de la caja para que siguiera el proceso.

Previendo que el azar no estaría de mi lado -sencillamente porque ninguna caja lograría cautivarme- decidí entregar dos cajas para tomar dos a cambio y así aumentar las posibilidades de complacerme a mi misma. Tomé la primer caja al azar (la de cartón, por ser la única presentada cerrada) y me permití revisar el resto para elegir la segunda (la caja blanca que elegí, venía en una bolsa de macromercado, junto con rollos de papel sulfito y bobinas de cartón).








Debo confesar que sentí mucha bronca y frustración al abrir las otras cajas llenas de porquerías, todas bastante manoseadas y mugrientas. Y me pregunté: ¿no les da verguenza traer todas estas porquerías sobadas? Claramente quería llevarme MIS CAJAS. Me había dado bastante trabajo preparalas y me daba mucha bronca que se la llevara cualquier ... sobador (no se como llamarles).

Partiendo de ese sentimiento de asco y rechazo hacia ese montón de chatarra agena, de los objetos contenidos en las cajas que elegí (que eran de lo mejorcito), y principalmente apoyandome en las fotos de la caja blanca, creé el siguiente texto que va acompañado de las fotos y que simplemente intenta expresar la pulsión de asco y rechazo que sentí hacia la intimidad de los desconocidos:

Sí, tengo que subir las fotos.

***

Manipulando la pulsión de los objetos

***

La recompenza estética

También confesaré que me sentí redimida cuando vi los trabajos que realizaron las personas que eligieron mis cajas. Sin lugar a dudas el esfuerzo que significó despojarme de mis pertenencias mas querídas (o basura afectiva, según Musso) y combinarlas obsesivamente rindió frutos en ambos casos.

Como me encanta dirigir, no pude evitar dejar huellas de cierto relato en cada caja; como si tratara de decirle al otro que quería que hiciera con aquellos objetos. En ambas había textos -vedettes de mi "basura afectiva"- que intentaban marcar un camino; una de ellas incluso estaba galardonada con una indicación del pasado en su tapa.





Aunque no pude hacer el debido registro de mis cajas, los trabajos de las dos Verónicas llegaron a la escencia de aquellas cajas. La caja marrón era una especie de kit para realizar algún ritual autodestrucctivo macabro y Verónica 1 captó esto a la perfección. Su intervención consistió en utilizar los implementos de mi caja combinandolos con implementos de ella y dejar en la caja un misterioso registro de dichas acciones...




















Trabajo de Verónica Nusa

Textos preexistentes en la caja:
Quien va a decirme que jugada es mas conveniente esta vez. Deberíamos lograr un equilibrio acaramelado. Entre algodón y cenizas.

Criminal.
Quien te dijo que podías hacer eso. No está permitido y ahora van a juzgarte. Te van a apalastar.
Corré.

Vamos a pasar un buen momento!!
Seguí la moda.
Hermosa muñeca. Son las muñecas perfectas.
Moda.
Compartir el disfrute y el goce que la belleza te brinda.

Moda. Regalo de Belleza.
Mundo perfecto. Muñecas perfectas.
Perfecto regalo de belleza.
Hermosa muñeca.
Seguir la moda de da calma para disfrutar.

***

Los conos

Elegí la caja blanca más que nada por estos conos de cartón que estaban en la bolsa del macro y fue en lo primero que trabajé. Mas tarde recordé que debía devolverlos a su propietario y me encariñé tanto con ellos que decidí quedarmelos para que pasaran a mi bagaje de basura afectiva.

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Éstas son las fotos de la instalación que hice hace algún tiempo en el hall del 1er piso.
Gracias a Sofía, registradora oficial de nuestras vidas. Me emociono. sniff sniff.

Happening R.E.O.

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afiche

...

Aurora

maniac chat



ben-g shock

people in the dark

chill out


...

backsatage

Lara

Me

las chuletas

-casi- todas las fotos por Sofía Aguiar
en todo caso fueron tomadas con su cámara...

Asentamiento Santo Domingo

Primer visita a Santo Domingo
sábado 13 de junio

Algunas fotos del backsage de la Instalación

fotos por Sofía Aguiar

fotos por Juma Fodde

mutantes

¡gracias Laura y Juma por las fotos!

Primeras intervenciones en "Facultad de Artes"

Abril, lunes 27, 8:30 pm.













más imágenes en:
http://aurorashit.blogspot.com/
http://www.flickr.com/photos/nexsof



Abril, martes 28, 8:30 pm.

trabajo realizado por: Sofía Aguiar

"Los Alcances y Objetivos de la participación del estudiante del IENBA en los Centros Culturales del Ministerio de Educación y Cultura"

(Trabajo presentado ante el "Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes" y el "Ministerio de Educación y Cultura" en calidad de postulante para las becas que se otorgarán a los estudiantes del segundo período del IENBA, para desempeñarse como "Monitores de Sala" en los "Centros Culturales MEC".)



Palabras Preliminares

Considerando las nuevas políticas educativas tendientes a “fortalecer el rol de la educación estética como forma de incidir positivamente en la formación integral del ser humano”1 mediante la actuación de la “Comisión Asesora en Educación y Arte”2 es que hago las siguientes afirmaciones:

El contacto con el Arte y con las áreas expresivas en general constituye una fuente de aprendizaje inagotable y una necesidad para el desarrollo armónico del ser humano durante toda su vida. Todas las vivencias artísticas, ya sean experiencias de creación o de recepción sensible de obras de arte, son generadoras de juicios y de ideas que provienen de la subjetividad del individuo (son procesos sensibles de codificación y de decodificación de símbolos). En este sentido, las vivencias artísticas promueven la apropiación y producción de conocimiento y la “construcción de subjetividad”.

En este marco se instauran los Centros Culturales del MEC, que vienen impulsando procesos artísticos a nivel educativo y comunicacional desde hace casi dos años con el fin de colectivizar conocimientos y aprendizajes, con el propósito de estimular el sentido crítico y la sensibilidad de los uruguayos y para propiciar la construcción de identidades culturales polivalentes sustentadas en la producción de conocimiento, siempre partiendo de propuestas integradoras. Para favorecer un encuentro significativo entre las propuestas culturales del MEC y los participantes de las mismas, y con la intención de que toda la población pueda acceder en igualdad de condiciones a aquellos materiales y/o experiencias, se ha jerarquizado el rol del “Educador de Museos” en los museos y se vienen incorporado “Monitores de Sala” en estos centros.



Alcances de la participación del estudiante del IENBA en este contexto

Considerando el contexto en el cual se desempeñará un “Monitor de Sala”, podemos decir que es la persona responsable de mantener las condiciones y el clima apropiados que habiliten el acercamiento y el intercambio significativo (participativo) entre los ciudadanos y el material o la experiencia propuestos por el MEC.

Por otra parte, aunque la tarea del “Monitor de Sala” no se centra en el intercambio conceptual con los participantes, el mismo debe estar capacitado para brindar respuestas a las inquietudes de los mismos sin que estas obturen las posibles interpretaciones de las obras. Precisamente porque se aspira a la apropiación de conocimiento como un aprendizaje subjetivo y formativo de juicios personales generado a partir de la experiencia estética.

Teniendo en cuenta estos dos ejes fundamentales, un “Monitor de Sala” debe tener un marcado interés por los procesos artísticos que le permita, además de mantenerse informado a cerca de los materiales con los que trabaja a diario, cuestionarse sensiblemente el significado de los mismos. Estamos hablando de una persona capacitada para decodificar de manera sensible los símbolos generados por procesos artísticos.

El estudiante del IENBA inscripto en el segundo período de estudios viene ejercitando dichos procesos de codificación y decodificación desde hace por lo menos tres años, al momento de ingresar al IENBA. Este ejercicio constante radica en el programa y en la metodología que el IENBA propone al alumno para brindarle los conocimientos enmarcados a los procesos artísticos. Estos procesos de aprendizaje se caracterizan precisamente por no inducir al alumno a juicios, lecturas o análisis preconcebidos; se apela a generar los conocimientos siempre a partir de la experiencia, del contacto del estudiante, ya sea con las obras estudiadas o con la vivencia de la creación artística en sí.

Como alumna y compañera afirmo que estas experiencias transforman la subjetividad de los estudiantes y que enriquecen nuestra identidad y esto es a lo que se apela en los Centros Culturales del MEC. Creo que la conciencia de la experiencia artística como experiencia transformadora constituye uno de los principales aportes que puede hacer el estudiante del IENBA en el rol de monitor de sala dentro del centro cultural al que asista (descartando que el mismo es un estudiante universitario capacitado para cumplir las tareas técnicas y de seguimiento específicas que hacen al cargo).

No obstante quisiera hacer algunas consideraciones y aportes desde mi “Formación como Docente de Expresión Plástica”:
Anteriormente hablaba del “Monitor de Sala” como velador del encuadre ideal. Buscar las respuestas más disparadoras, cuidar el lenguaje corporal para no interferir en la experiencia estética del otro y establecer los límites que haya que marcar de la manera más reflexiva posible son herramientas de trabajo indispensables para un monitor si realmente se busca propiciar un clima facilitador de los procesos antes mencionados. Desde mi tránsito por el curso de formación docente del “Taller Malvín” pienso que una persona con estudios y/o experiencias en el campo de la educación artística tiene incorporadas estas herramientas.



Objetivos de la participación del estudiante del IENBA en los Centros Culturales del MEC

Los objetivos de esta participación radican en las nociones de “Beca” y de “Extensión Universitaria” y representan los aportes y beneficios mutuales para todas las partes constituyentes del convenio en el cual se enmarca la beca solicitada.

Considerando:

• Los aportes de la participación del estudiante del IENBA en los centros MEC desarrollados anteriormente.

• La experiencia profesional de un estudiante universitario (en este caso vincularse al medio artístico) y su participación en las capacitaciones que esta beca le facilite y las puertas que esta beca posiblemente le abra.

• Los aportes que haga el estudiante a la Universidad desde esta experiencia.
Entonces se hace explícita la relación de retroalimentación para el estudiante, la Universidad, el MEC y la población destinataria del servicio ofrecido.

1, 2. “PARTICIPACIÓN – EDUCACIÓN – ARTE” (págs. 311 a 316) - Publicado por la Dirección de Educación del MEC y facilitado por el Taller Malvín.



Nota adjunta: Expectativas del Estudiante del IENBA en torno a la participación en los Centros Culturales del MEC

Me tomo la atribución de adjuntar esta nota con el fin de hacer explícitas algunas inquietudes personales no contenidas en los “Alcances y Objetivos (…)” sin que las mismas invadan o condicionen las ideas expresadas anteriormente.

Antecedentes de mi interés en formarme como Educadora de Museos
En junio de 2008 el MEC hizo una convocatoria dirigida a estudiantes, educadores y docentes del área de Artes y afines para realizar un curso de Formación de Educadores de Museos a cargo de la Psra. Gabriela Lambert.

Envié una carta de motivación a la Sra. Lambert como se me indicó en el MEC, expresando mi profundo interés en participar de dicha formación por considerarla una excelente oportunidad para adquirir nuevas herramientas que enriquecieran mi camino como educadora en campo del Arte. Mencioné mi formación Docente en el Taller Malvín y mi intención de seguir perfilándome hacia la docencia en mi carrera en el IENBA.

Llamó mi atención no encontrar mi nombre en la lista de seleccionados para realizar el curso y encontrar en cambio numerosos profesionales de diferentes ámbitos ya insertos en sus campos laborales (ya sea psicología, formación docente, tallerista de expresión plástica o una combinación de estas actividades). Me sorprendí porque imaginé que este tipo de tareas eran idóneas para un estudiante de arte que manifiesta un marcado interés en la educación artística y con dicha formación en curso.

Concluí que este tipo de cursos y seminarios apuntan a perfiles más elevados a nivel teórico y que las listas de asistencia se elaboran en función de los “méritos” de los solicitantes y que por ende, seguir aplicando a seminarios y cursos gratuitos organizados por organizaciones públicas y diferentes centros culturales significaría perder mi tiempo.

Sumado a esto, tres años después de haber ingresado al IENBA, cuando estoy habilitada para acceder a una beca, me encuentro con que se considera más meritorio un estudiante con "actividades de extensión universitaria" y "actividad universitaria general". Lamentablemente, yo no conocí la expresión “Extensión Universitaria” hasta las rotaciones; es decir hace cuatro meses atrás.

Pienso que es muy meritorio generar redes entre el MEC y el IENBA y entiendo que éstas son muy recientes pero también pienso que debería haber continua provisión de dicha información para todos los alumnos del IENBA y que hace falta reforzar un poco este aspecto en el primer período.

En este marco se encuentra un estudiante sin experiencia ni “méritos” y en estos términos llega a mí el presente llamado. Entiéndase que resulta complejo visualizar alcances y objetivos profesionales desde esta perspectiva, cuando se perciben este tipo de incongruencias y falta de unicidad de criterios en las instituciones públicas. Esta sensación paraliza a los estudiantes y su confianza hacia el sistema educativo se ve comprometida.

No obstante, intenté acceder una vez más a una experiencia que enriquezca mi camino formativo desarrollando algunos conceptos casi utópicos y desde una percepción lejana.

008: Trabajos presentados para Seminario de las Estéticas II

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Abril 2008: Ideando performance a partir de textos expresionistas
(Suskind, Arlt y Artaud)

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Mayo 08: Proyecto para autorretrato en xilografía
(nunca realizada)


foto: Camila G. Jettar

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"We need polent", otoño 08



sin título, invierno 08

sin título, invierno 08

sin título, primavera 08

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Julio 008: Francis Bacon y Yo

Todo lo que pasa por mí con el fin de ser presentado ante Uds. se transforma en subjetivo. No me interesa la objetividad. La practico a diario para situaciones obligadas y no me interesa.

Si atravieso la tortuosa experiencia durante tres semanas, de tener que elegir una determinada corriente o artista; todo ese proceso me parece mucho más rico en mi vínculo con la obra, que la pura digestión bibliográfica de unas fuentes dudosas. Elegí la obra de Francis Bacon para castigarme con ella durante unos cuantos días. ¿Y por qué debería interesarme lo que piensan otros, si lo que me llevó a él fue mi subjetividad?




Antecedentes de mi vínculo con Bacon

2005. Asistía a mis primeros encuentros con un Taller de Plástica. Mi tallerista comentó: “Cuando empezás a pintar me haces acordar a un pintor que se llama Bacon”.

Me gusta el rojo y me gusta el blanco pero la combinación me fascina. No son los colores en sí los que me atraen, es lo que la combinación me evoca. Lo corpóreo; la carne; lo óseo; lo sanguíneo. Siento que la obra de Bacon se encuentra en un nivel muy puro de simbolización de emociones primarias y que descarta -casi siempre- todo lo que no me interesa. Esto, sumado a la utilización de imágenes que evocan lo corpóreo, lo óseo y lo sanguíneo, como símbolos que plasman esas emociones primarias, hace que me sienta atraída hacia su obra.

1,2

Directo a las fuentes

Puedo asegurar haber visitado centenares de sitios relacionados a Bacon. Intenté leer algunos artículos, que abandoné al instante por mencionar imágenes abyectas y traumas sicológicos 3, 4.

Ya que se mencionaban algunas entrevistas, decidí apelar únicamente a las palabras de Bacon. Leí por ahí (4) que él mismo comentó que “en las entrevistas sólo se dicen pavadas”, y que obviamente el Arte no se explica con palabras. Prefiero escuchar sus pavadas y no las de terceros.

Es decir que de la aburrida excursión por Internerd, sólo me interesó conseguir el siguiente material: una entrevista con David Sylvester -1976-, un documental producido por David Hinton -1985- y una entrevista con Archimbaud -1992-.

De estas tres fuentes, sólo puede procurar el documental de David Hinton5 y algunas grabaciones de fragmentos de una entrevista con Sylvester6 (pero que aparentemente no sería la deseada por el año indicado en la web de orígen). También conseguí una entrevista transcripta, donde la escritora Margueritte Durás4 hacía las preguntas (preguntas bastante tontas por cierto).

Otro material a adquirir es la película “El amor es el diablo” de un tal John Maybury. Jugosas suposiciones de su vida intima. La gente es mala y comenta; aparentemente Bacon fue muy sádico con su amante George Dyer, a quien la tormentosa relación lo habría incitado al suicido. Supuestamente, Bacon lo sometía al escarnio público, mientras que en la intimidad se le ofrecía cual esclavo sexual. Tiene sentido suponer que lo que Bacon buscaba, seguramente, era que Dyer lo penetrara tan violentamente como pudiera.

(Digo yo).




Primeras impresiones del Documental de Hinton (1985)

En la entrevista Bacon se expresa con un inglés muy cerrado (además creo que estaba entonado), que no me permite entender del todo sus palabras en las primeras reproducciones. Esto implicó una dificultad pero a la vez sirvió como un velo que me permitió percibir, más allá de las barreras del lenguaje oral, algunos rasgos de su personalidad.

En las primeras reproducciones percibí contradicción en su discurso (esta idea cambió con los sucesivos contactos con el material). Mi confusión surgió porque Bacon hace especial hincapié en que lo que él hace es deformar la realidad. Porque la realidad es lo que le interesa. Insinúa que pinta la realidad de lo que pasa en el mundo: “Muchos creen que mis pinturas son imágenes de horror, pero yo no puedo competir con lo que sucede en el mundo real. Puedo tratar de recrearlo, es cierto: por eso creo que mis pinturas son realistas.”5

Cuando antes dijo: “Arte es artificio y cuanto más artificiales sean (las imágenes), cuanto más artificiales puedas hacerlas mejor. Así serán más intensas.”5

A la vez, hace constante referencia a lo accidental en su pintura: “Tengo una imagen general de lo que quiero hacer pero es en el trabajo que se desarrolla.”5

“Una de las imágenes que hice en 1946 (“Butchelor`s meat show”, pag.2, imagen central repetida) que creo que está en el “Museo de Arte Moderno”, vino a mí como un accidente. Yo estaba tratando de hacer un pájaro cayendo al suelo pero de repente las líneas que yo había dibujado sugirieron algo totalmente diferente. Y de esa sugerencia surgió esta imagen. No era mi intención hacer esta imagen, nunca pensé en ella de esta manera. Fue como un continuo accidente montándose sobre otro.”6

Relata que a partir de ese acontecimiento, comenzó a buscar este tipo de accidentes. O al menos a tomarlos con optimismo. Que aunque comienza con una idea clara de lo que va a representar nunca sabe cuál es la forma que lo representará y que quiere hacerlo de la manera menos ilustrativa posible. Entonces, si en el transcurso del trabajo surgen estos desvíos -accidentes-, los toma de inmediato porque ayudan a que no se sepa de donde vine realmente la imagen representada.

A partir de la inicial contradicción percibida, me incliné por el carácter accidental de su pintura y concluí: toma imágenes de la realidad -externa o interna- como excusa para plasmar una realidad de carácter no pictórico. Los numerosos retratos y estudios del cuerpo humano, así como las fotografías de Eadweard Muybtidge que utiliza como disparador, a mí entender son una excusa para dejar fluir su instinto.


Segunda impresión a partir del caos del material

Antes de seguir, quiero aclarar que en las sucesivas reproducciones y lecturas del material, fui desterrando las contradicciones y encontrando en Bacon un cómplice para mis sospechas iníciales.

En 1985, hablando de su gusto por la fotografía, dice que lo que le interesa de éstas, es la intensidad del momento plasmada en la imagen y no el relato de una historia. No le interesa lo anecdótico: “No leo mis pinturas. No sé lo que significan, no tengo una historia que contar ni siento nada cuando pinto. No hay nada que sentir. Me gusta la rigidez de la imagen, el shock: me gustaría que mis pinturas tuvieran el mismo efecto inmediato que la foto de un animal salvaje después de una cacería. (…)No la ilustración de la realidad pero la creación de imágenes que tienen concentración de la realidad y sensación.”5

Yo entiendo que lo que a Bacon le interesa es la emoción por sí misma. Entiendo que toma imágenes, ya sean del mundo externo o interno, deformándolas y condensándolas, con el fin de plasmar una emoción al extremo. Entonces, lo que a él le interesa es lo que está por detrás de lo que algún escucha distraído como yo puede entender por realidad. No es la realidad pictórica, externa o imaginaria, lo que le interesa, sino lo que subyace en éstas: el instinto.





Asociaciones libres que me gusta hacer

Asocio la obra de Bacon a lo que escapa a lo racional porque entiendo que refiere a temas preexistentes a la racionalidad humana. La asocio en algún punto a lo mítico (7,8) y lo arquetípico (9).

Los mitos son metáforas que refieren a los orígenes; a todos los acontecimientos primordiales que llevaron al hombre a su estadío actual de conciencia. En una metáfora, al igual que en el Arte de Bacon, se que crea una nueva significancia de algo ya conocido, trascendiéndolo.

Es difícil explicarlo con palabras, pero la definición de arquetipo de Jung ayuda a entender que es eso mítico, instintivo y a la vez humano a lo que me refiero.

Los arquetipos son los rastros de la evolución de la mente humana. Este desarrollo (biológico, prehistórico e inconsciente) data de cuando el hombre aun no reflexionaba sobre sus símbolos, los vivía y estaba inconscientemente animado por su significancia. Luego el hombre comienza a reflexionar acerca del origen de sus acciones hasta su estado actual de conciencia.

Pero la psique primitiva sigue constituyendo la base de nuestra mente y explica las analogías entre las imágenes del hombre actual y los productos de la mente primitiva, sus imágenes colectivas y sus mitos.




Extracto de la entrevista con Margueritte Durás

FB- “(…) No he dibujado nunca. Empiezo directamente sobre la tela. Ataco de inmediato la tela... Dibujo, quizás, con la pintura. Pero si dibujara, las imágenes no saldrían iguales para mí. Porque sabe, el dibujo es muy cerebral. Para usar realmente el dibujo hay que tener una noción exacta de lo que se quiere hacer. Y yo me fijo más bien en si funciona, la cosa que me viene. Yo lo llamo accidente. [Corte] Cuando empiezo a pintar, y no hablo de retratos, tengo una cierta idea de lo que querré hacer. Pero pintando esta idea cambia continuamente y las imágenes van apareciendo. Me vienen sin saber que son. Si me gustan las conservo y sino las rechazo. [Corte]... ya que las imágenes me llegan por accidente, por lo que yo llamo accidente y el accidente no funciona siempre y me siento forzado... Sabe, hago la pintura para mí mismo. Espero siempre que me excite. Si por azar me llega, estoy contento, pero esto no ocurre a menudo... (…)

MD- ¿Se siento poseído en algún momento? ¿Algo, a través, que le sobrepasa?

FB- Es un problema muy decisivo. Del subconsciente no se sabe nada. Creo que las imágenes vienen del subconsciente. No sé si llegan así pero llegan. (…)... si no se puede aprender a pintar es porque toca un lado del sistema nervioso. Del que no se puede hablar, se intenta pero no se puede. Yo ni trato ya de explicarme a mi mismo lo que hago. No lo vendo. Lo hago... [Corte] Cada generación está forzada a rehacer lo que llamamos realidad... queremos deformarla para dar fuerza a la realidad... ilustrar no cuenta para nada... se puede hacer mejor en el cine.

MD- Le molesta que la gente insista en el aspecto violento, macabro, desesperado de vuestra pintura...

FB- No lo entiendo... Si se piensa eso de mi pintura es que no se ha pensado en la vida... no puedo ser tan violento como la propia vida. No lo entiendo, es tonto... Creo que mis cuadros son alegres. Al contrario... como el final de las tragedias griegas, o de las de Shakespeare, de las que sales feliz... Es algo nunca explicado. El por qué... Es una manera de purificarse, por el horror... Esquilo, Sófocles... le recomponen, algo... (…) como Baudelaire que dijo en algún lado: Si el arte no choca no tiene interés... no sé dónde habló de todo esto Baudelaire... (..) Quiero chocarme a mí mismo. [Corte] (…)

El arte abstracto no me ha interesado nunca. Porque creo que no puede convertirse en nada más que decoración. Puede ser muy bonita la pintura abstracta... Pero nunca es verdad, no toca nada, y simplemente es sólo decoración... No puede resultar nada más que decoración. (…)

[Corte] En todo el arte hay un lado abstracto, pero no es el caso. Si miras un Poussin, hay todo un lado abstracto en él, pero no me refiero a esto. Hablo de cuando se quiere eliminar la apariencia, porque se trabaja sobre nada en el arte abstracto. Simplemente trabajan el color... Pueden hacerse cosas muy bonitas, pero yo no podría quedarme con esos cuadros. Me molesta mirarlos... Más que molestarme, me aburren... (…) me pide que explique la pintura y no se puede. (…)”4.


Bibliografía

1. La mayoría de las imágenes fueron descargadas con SoulSeek

2. Otras fueron tomadas de la web: www.francis-bacon.cx/

3. www.rosak.com.ar/textos/el_artista_%20como_dictador_social.htm

4. www.deartesypasiones.com.ar/03/doctrans/Francis%20Bacon.doc

5. “Bacon” (documental). Producción: David Hinton. Coproducción: RM ARTS/LWT SOUTH BANK SHOW, London, 1985. Fuente: www.isohunt.com

6. Francis Bacon talks to David Sylvester. Audio Archive, 23 March 1963. Fuente: www.bbc.co.uk/bbcfour/audiointerviews/profilepages/baconf1.shtml

7. Eliade, Mircea - Lo Sagrado y lo Profano: Guadarrama/Punto Omega, 1981 8. Vidal, Luis – El Arte: silencio y metáfora, Montevideo: Taller Malvín, 1999

9. Jung, Carl G. - El hombre y sus símbolos. Barcelona: Paidós, 1995




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Oct 008: A cerca de la violencia en el Arte

Se pide una reflexión en torno a la violencia (premisa de Seminario II). Por mi parte, con respecto a la violencia como problema social, no quiero exponer mis opiniones por el momento.

Sí me interesa indagar en la noción de violencia como herramienta -en el campo del Arte- para generar emociones en el espectador y no tomarla como algo dañino o nocivo a priori. Quiero cuestionarme si la violencia aislada, por sí misma, puede ser bella. Pensar, al menos como punto de partida para esta reflexión, que la violencia no necesariamente tiene que significar un daño y preguntarme si puede aportar algo positivo.

Pienso en la violencia (inicialmente) como un recurso factible de ser utilizado a nivel artístico el cual me interesa investigar. Para hacerlo, me parece necesario cuestionarme los motivos y el modo a ser aplicada. Cuestionarse hasta qué punto es un recurso válido en el Arte, ya que el mismo no siempre es utilizado de manera correcta. Supongo que esta dicotomía tiene que ver con la diferencia entre utilizar la violencia en función de la obra y crear una obra en función de aplicar la violencia.

Para ejemplificar esta diferenciación pensemos en los siguientes sujetos del mercado del arte: David Nebreda y Marylin Manson.

Nebreda es una persona esquizofrénica no medicada por decisión propia. Vive aislado del mundo manteniéndose vivo a base de una dieta de quien sabe qué que lo mantiene así:

Se conocen diversos autorretratos de Nebreda luciendo heridas, cicatrices, yagas y laceraciones. Su rostro cubierto con su caca es lo más tierno que podemos esperar de él. En mi opinión esta persona hace lo que hace porque está enferma. Canaliza en sus trabajos algo que su enfermedad lo lleva a hacer y que haría con o sin espectadores.

Marylin Manson, a quien tampoco conozco en detalle y con quien no comparto demasiadas afinidades estéticas, parece mostrarnos otra realidad. Aunque es discutible si sufre algún trastorno mental, hasta lo que sabemos no atenta contra su propio bienestar.

Es un ser que vive en sociedad y que genera cambios en su imagen; que aunque pueden transmitir cierta idea de violencia ejercida sobre su cuerpo, son artificios.

En este punto se separan dos caminos con respecto a la violencia en el Arte: cuando se violenta al público a partir de un acto de violencia que genera un daño, o cuando se violenta al público con un artificio.

Pensemos en otro ejemplo: Si alguien filma una violación y la expone (como hacen los coreanos mugrientos), sabemos que esa violencia generó un daño. Y como corolario ese video generó algo en el espectador.

Pero si yo miro una película como Irreversible, donde hay una escena sublime de una violación que hace que el espectador se estremezca, esa escena es exactamente igual a la otra y sigue teniendo el mismo grado de violencia para el espectador y sigue generándole emociones intensas pero el daño es irreal.

(Quedará a criterio de cada uno evaluar si violentar al público a partir de un acto de violencia que genera un daño tiene el mismo valor artístico que cuando se violenta al público con un artificio).

Conversando con otra persona del curso, cual Toyos y Frontán, la misma me refutó: “Entonces no estás hablando de violencia ¿mostrar una foto de violencia (sea real o ficticia) te parece generar violencia? si no hay daño no hay violencia. ¿Te parece que existe la violencia sin daño? la violencia genera un daño. Una cosa es hacer reaccionar al otro o mostrarle cosas que no le gusten; porque si tú estás viendo una imagen violenta no te están violentando a ti, la violencia está en la imagen, ocurre ahí dentro.”

Es evidente que hay trabajos realizados por mí y por otras personas donde una y otra vez se repite la intención de violentar al público. Evidentemente hay una diferencia bastante grande entre dañar al público y violentarlo. Entonces, aunque se logre violentar al público con un artificio, cabe cuestionarse si hay realmente violencia en esa obra o si estamos hablando de otra cosa que no es violencia.

Es una duda razonable. Entonces pensé en la música. Sin lugar a dudas hay música que es violenta.


Atari Teenage Riot, Speed.





Más allá de la sutileza de los términos y de los límites que establecen las palabras yo sigo pensando que la música de Atari es violenta. Violenta a quienes la escuchan pero no necesariamente daña a esas personas; en mi caso realmente la disfruto. El daño es algo colateral y no un sinónimo de violencia.

Entoces la voz en off me refuta: mm…que queres decir con "violenta a quienes la escuchan", ¿que la gente que escucha Atari sale a cometer actos de violencia? La música no puede ser violenta por sí misma.

Violentar no es generar violencia. Son dos cosas distintas. Querer violentar al público no es inducirlos a ser violentos. Es discutible si eso puede suceder, pero el fin del artista no sería ese en un principio...


Atari Teenage Riot en vivo, 1º de mayo de 1999, Berlín.





En este video podemos ver a los oyentes de atari teenage riot en una situación violenta que les generó daños. Ahora, ¿Quién esta violentando a quien? ¿Quien le está haciendo daño a quien? ¿Fue la música la que generó un daño o fue alguien que tenía violencia contenida adentro?

Violentar es aplicar la violencia, verdad? como vas a decir que violentar no es generar violencia si es cometerla la está generando automáticamente ¿si yo te pego una piña no estoy generando violencia?

Es que a mí no me interesa pegar piñas (a nivel artístico). Me interesan otros aspectos de la violencia. Estos, por ejemplo (trabajo realizado por la voz en off que me refuta):






Si yo le muestro esta imagen a mi madre ella sin dudas se va a violentar... Supongo que es tu idea...

Para nada. ¿Le causa un daño psicológico a tu madre ver eso?

No... Precisamente no le causa daños. La violenta. Porque es una imagen violenta… Algo cárnico que parece estar por debajo de la piel y que sugiere que se le saco la piel a esa mujer y ahora se ve la carne que a su vez son chuletas; fotos de una vaca muerta.

Violentar no es sinónimo de dañar. Ni tampoco de generar violencia. Violentar a alguien es enfrentar a esa persona a una situación violenta (ficticia o real) sin que esa violencia ejerza (necesariamente) un daño sobre la persona.


A continuaión publico algunas imágenes que en mi opinión tienen que ver con el tema abordado.



Mark Ryden